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ROCK CLASSICS: GRANDES OBRAS DE LOS 70s

La sección de ROCK NOT DEAD donde revisar grandes discos de los 70, tanto clásicos indicustibles como grandes joyas ocultas de esa década prodigiosa para el ROCK.

R.E.O. SPEEDWAGON, "Ridin' The Storm Out" (1973)

 

El tercer trabajo de Reo Speedwagon, es el primero de tres consecutivos con el vocalista Mike murphy que suplía en esas dotes a Kevin Cronin. Murphy me parece un vocalista más versatil que Cronin, que será fundamental para que "Ridin' The Storm Out" se distacie en cuanto a calidad de sus dos trabajos antecesores. Pese a todo esto, Cronin permaneció durante casi toda la grabación de disco y suyas son un par de canciones. El grueso del disco biene firmado por el guitarrista Gary Richrath.


"Ridin' The Storm Out" fue publicado en 1973 y cosechó buenas críticas pero su repercusión a nivel comercial fue casi nula. Y eso que estaba repleto de buenísimas canciones como la inicial "Ridin'The..." o "Oh Woman", un par de cortes de "Southern Rock" que destacan tanto por sus guitarras como por la carismática presencia vocal de Murphy. "Whiskey Night" es Funk Rock recargado de efectos Wha-wha y estribillo comercial. En "Find My Fortune" se comportan como una banda hipnotizada por el Soul Motawn y en "Open Up" vuelven al Rock sureño de pinceladas country pop rock que empezaban a gestar The Eagles en sus dos primeros discos, estupendos juegos de voces e instrumentación a todo trapo.


El resto de los temas tampoco baja el nivel, "Movin'" con sus voces femeninas y su groove Soul encandila desde el comienzo al igual que la rockera "Son of a Poor Man". En total son diez las canciones de este fenomenal y desconocido trabajo de una banda a la que todavía el AOR le quedaba lejos. Por cierto, uno de los colaboradores en este álbum es el gran Joe Walsh, que se encargará de la guitarra "Slide" en tres de las diez canciones.


Mike Murphy - Vocals

Gary Richrath - Guitar, Lead Vocals On "Find My Fortune"

Gregg Philbin - Bass

Neal Doughty - Keyboards

Alan Gratzer – Drums

 

José Antonio "Caído en Litle Big Horn" Gutierrez

 

FOGHAT- “FOOL FOR THE CITY”- 1975

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Lonesome Dave Peverett: Voz & Guitarra

Rod “The Bottle” Price: Guitarra, Slide & voz

Roger Earl: Batería & Percusión

Nick James : Bajo, Teclados, Guitarra & voces


Produce : Nick Jameson

 

Sello: Bearsville Records


Foghat, la trituradora de “Boogie-Hard Rock” “Made In England” con más sabor americano. En pocas ocasiones se ve con tanta nitidez como una banda formada en la “Perfida Albion” acapara como nadie todos los “tics” de la música creada por Chuck Berry en el país del “Tio Sam”. El sonido “Slide y Blussy” de la guitarra del fallecido Rod Price combinado con la voz llena de sentimiento del malogrado “Lonesome” Dave Peverett son la marca blanca de Foghat, una banda fundamental, todavía Virgen para muchos.


Es el momento pues, de penetrar en su discografía de la mano de “Fool For The City”, sin lugar a dudas, el mejor trabajo en estudio, que supuso un punto de inflexión con sus anteriores discos, especialmente con “RnR Outlaw”, con el cual Foghat embarrancaban peligrosamente en tierra de nadie, hasta que con “Fool For The City” pudieron hacerse a la mar de nuevo, gracias a un repertorio escandalosamente bueno.


El tema que abre el disco es una de las canciones más reconocidas de la banda. Comercial e hiper-adictiva, recuerda en sus riffs iniciales a los KISS del primer álbum. Rock And Roll duro de estribillo pegadizo, guitarras “Vitange” y rítmo jovial cargado de “Groove” Funk rockero. La primera joya de la corona Foghat.


“My Babe” los adentra en el Boogie-Hard Rock que ya era el parche que tenían cosido en la píel desde sus comienzos en 1971. Otro excelente tema que destaca por la impresionante “Slide guitar” de Rod Price y por las voces de tres de los cuatro Foghat a lo largo del mismo.


Pero si hay un tema que determina el sonido de Foghat es “Slow Ride”. Habrá un antes y un después a esta canción que les marcará para siempre. Rock duro vicioso y peleón tocado con un “Feeling” asombroso. Cercano a los ocho minutos , acaba formando una bola de fuego de guitarras fuera de sí y rítmos enloquecedores con los que revientan la canción y el propio álbum. “Slow Ride” llegará al “Top 40” de las listas americanas y no es para menos.


“Terraplane Blues” les recuerda de donde vienen como banda, o mejor dicho, de donde procede su sonido desde los tiempos de Savoy Brown (Banda anterior a Foghat en la que militaron varios miembros de la misma). Los Chuck Berry o Willie Dixon se aparecen ante Foghat sin necesidad de juegos esotéricos, basta una guitarra y un buen guitarrista.


“Save Your Loving (For Me)” es otro “fresco” al estilo del tema “Fool For The City”, que me recuerda bastante a los QUEEN de aquella época. Todos los temas del disco son para enmarcar, así que “Drive Me Home” no lo iba a ser menos. Otra vez un tema adictivo, repleto de juguetones pianos “Honky-Tonk” y Rock & Roll a lo STONES.


Foghat concluyen esta obra maestra con la deliciosa “Take It Or Leave It”; “Soft”, acústicamente barbara y con el uso del piano Wurlitzer que le imprime un carácter único al tema. ¡Grandiosos!.


José "Caído en Little Big Horn" Gutierrez

MONTROSE - MONTROSE (1973)

 

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MONTROSE- Montrose

Género: HARD ROCK

Año: 1973

Sello: Warner Bros Records

Productores: Montrose & Ted Templeman

Componentes: Sam Hagar (Voz), Ronnie Montrose (Guitarras), Bill Church (Bajo) y Denni Carmassi (Bateria)

Temas:
1.Rock The Nation 2.Bad Motor Scooter 3. Space Station N 5 4. I Don´t Want It 5. Good Rockín Tonight 6. On Thing On My Mind 7. Make It Last

 

No hace falta volvernos locos buscando el mejor disco de Rock Duro de la decada de los setenta en America por que lo tenemos delante del careto. Un lustro antes de que Van Halen irrumpiese en la escena discográfica eso si,con el mismo productor un joven guitarrista nacido en Denver y un desconocido pero carismático vocalista darán forma a uno de los "Dolmens" del género. El primer disco de Montrose posee todos los encantos que nos gustan a los amantes del Rock Potente. Los Combos británicos de la época eran muy muy buenos pero a la mayoria les faltaba ese punto de comercialidad bien entendida que tenía el debut de Montrose. Aunque muchos críticos sesudos citan el debut de Aerosmith como el prólogo del Hard quizás se olvidan de este disco que se come con patatas al excelente debut de Tyler y cia a base de temazos de muy señor mio. Eso si, ni este ni el citado disco de los Toxic Twins se comería los mocos aunque en un mundo más justo debería de haber sido diferente.

En solo ocho canciones y poco más de media hora el cuarteto se despacha a gusto con una potencia y un salero
muy poco común para una banda que llevaba relativamente poco tiempo de vida. Suele pasar que aveces ocurren cosas como estas y un grupo de jovenes ponen patas arriba un estudio de grabación a golpe de temazos que es lo que ocurre con este disco y Ted Templeman lo plasma y no se le olvida para el futuro (Van Halen). "Rock The Nation" es una bestial forma de iniciar un disco (Ahora mismo no me vienen a la mente canciones de esa época tan acertadas para un arranque,quizás alguna de los Zepp y poco más);esta canción tiene además la primera clave de como han de sonar las canciones de Rock Duro "Made In America",poco más de tres minutos en unos dias donde lo que se llevaba era que durasen el doble. "Bad Motor Scooter" es una perfecta continuación,basada en contundentes rítmos de bajo/batería a los que los sincronizados riffs de Ronnie Montrose y los Ademanes bluseros de Haggar le vienen como anillo al dedo.

"Space Station N 5" es la gran joya de este trabajo, el riff
es incendiario de cojones y la voz de Haggar recuerda a lo que el "The Red Rocker" grabará en su primera aparición con VH en los ochenta. Otros dos temas más rivalizan en minutaje y calidad (Ambas se quedan por dos segundos debajo de los tres minutos) me refiero a "I Don´t Want It" y "Good Rockín Tonight". ATENCIÓN A ROCK CANDY! Es el riff de hard/Heavy más molón y potente de los setenta;denuevo Aerosmith me vienen a la cabeza y en "Toys In The Attic" casi lo consiguen con "Round And Round" y posiblemente sea un tema más pesado que el de Montrose pero le falta la pegada de Denni Carmassi a la bateria. Sam Hagar demuestra en todo el disco lo gran vocalista que es y lo influenciado que está por el todavía en aquel momento cantante de Free Paul Rodgers; la maravillosa "One Thing On My Mind" es la prueba de mis palabras pero esto es algo que debeis comprobar vosotros mismos.

El disco lo cierran con "Make It Last", otro ordago a la grande de Rock potente y vacilón con riffs geniales salvaguardados eficazmente por dos de los escuderos de Hagar en los siguentes años y un nuevamente genial Sammy que firman el mejor trabajo de todos estos músicos con diferencia y que como el buen vino sigue envejeciendo a las mil maravillas.


Caído en Little Big Horn
(José A. Gutierrez)

URIAH HEEP - SWEET FREEDOM (1973) REEDICIÓN SANCTUARY RECORDS

  


URIAH HEEP - SWEET FREEDOM

AÑO: 1973


SELLO: BRONZE RECORDS/SANCTUARY
ESTILO: HARD ROCK
PRODUCTOR: GERRY BRON

FORMACIÓN

DAVID BYRON: VOZ
KEN HENSLEY: TECLADOS
MICK BOX: GUITARRAS
LEE KERSLAKE: BATERÍA, PERCUSIÓN & VOCES
GARY THAIN: BAJO

TRACKLIST

1 "DREAMER"
2 "STEALIN'"
3 "ONE DAY"
4 "SWEET FREEDOM"
5 "IF I HAD THE TIME"
6 "SEVEN STARS"
7 "CIRCUS"
8 "PILGRIM"

BONUS TRACKS

9 "SUNSHINE"
10 " SEVEN STARS" EXTENDED VERSION
11 " PILGRIM" EXTENDED VERSION
12 "IF I HAD THE TIME" DEMO VERSION
13 "SWEET FREEDOM" ALTERNATIVE LIVE VERSION
14 "STEALIN '" ALTERNATIVE LIVE VERSION


Qué inspirados estaban los grandes dinosaurios del Rock de los setenta incluso en los momentos en los cuales pintaban bastos. Las adicciones de uno o varios sujetos alrededor de una banda podían hundir toda una carrera por muy respetable que fuese esta hasta ese momento, e incluso en esas condiciones eran capaces de grabar buenos discos. Como les ocurrió a los Uriah Heep con su sexto disco de estudio, "Sweet Freedom".

Con el mismo "Line-Up" grabando por tercera vez consecutiva, el equilibrio que otorga esa estabilidad está apunto de irse al carajo por el alcholismo de David Byron, las adicciones a la coca de Ken Hensley y los casi constantes colocones del heroinómano bajista Gary Thain.

Las tensas horas de grabación en un estudio de la campiña francesa durante los meses de Junio y Julio de 1973 dan como resultado otra colección incontestable de grandes temas de Rock. Desde "Dreamer" hasta "Pilgrim", pocas veces una banda se vuelve a casa con algo tan grande bajo el brazo después de tanta tensión acumulada.

Uno de los cambios que se observan a primera vista en "Sweet Freedom" reside en su sonido, más americano y directo. De las ocho canciones sólo tres superan los cinco minutos y el comienzo del disco con "Dreamer" y "Stealin'" no puede ser más acertado, buscando dos temas con pegada y estribillos de calado.

"Dreamer" es un perfecto tema para arrancar un disco. Compuesto por el bajista Gary Thain y Mike Box, su encanto reside no sólo en los potentes riffs, si no en una melodía vocal e instrumental muy "Cream" y un estribillo contagioso a la vez que Rockero.

"Stealin'", compuesto por el teclista Ken Hensley es el auténtico himno del disco y uno de las canciones más recordadas de Uriah Heep. Unos riffs de bajo y teclado dan paso a un vacilón David Byron que nos va llevando en volandas hasta el "Pre-chorus" en el cual entran a saco el resto del grupo. Una vez finiquitado un impagable solo de guitarra de Mick Box, nos topamos con el estribillo que nos catapulta directamente al limbo del Hard Rock.

Si la banda sólo hubiese grabado un single ese año con esos dos temas estariamos hablando de uno de los mejores sencillos de la historia de la historia del Rock pesado, pero no es el caso. La mala hostia de los componentes de la banda cuando grabaron "Sweet Freedom" era directamente proporcional al potencial de temazos como la Rockera "One Day" (Otra exhibición de David Byron) o la homónima "Sweet Freedom", un tema basicamente Hard Rock pero con desarrollos progresivos, aunque esta vez sean más tenues que en grabaciones anteriores y con un estribillo rebosante de melancolía.

Otro corte con inquietudes progresivas es "If Had The TIme", de comienzo "Soft" y evolución taquicárdica producida por los arreones de Ken Hensley, que empujan al resto del grupo a venirse inexorablemente hacia delante. "Seven Stars" puede ser el "Easy Livin'" de "Sweet Freedom", escuchándola se comprende de donde vienen las influencias de gente como Steve Harris.

Con "Circus" , los Heep se dan un pequeño respiro en formato acústico antes de acometer la recta final del disco con "Pilgrim", un tema épico "Old-School" total dentro del sonido Uriah Heep, aunque la novedad reside en el "Groove" tan "Funky" que imprime Mike Box en el riff principal del tema. Los falsetes de David Byron siguen estando a la altura de su leyenda. El solo de guitarra es un decálogo en poco menos de un minuto de como se puntea el Rock duro. "Pilgrim", es uno de los temas más "Heavys" de la primera época de los Uriah Heep, la pegada de Lee Kerslake y el barbaro trabajo del bajista neozelandés Gary Thain son fundamentales para ese sonido metálico que marcará a una generación de bajistas y músicos de la que pronto se empezaría a hablar.

Caído En Little Big Horn

OUTLAWS: "Lady In Waiting" (1977)

 

 

Dicen que las películas donde aparecen ferrocarriles antiguos son siempre buenas películas.

Ahora mismo no recuerdo muchos ferrocarriles en las cubiertas de discos de rock ´n roll salvo la del segundo trabajo de los Outlaws, por cierto, un excelente disco. Así que posiblemente lo de los trenes en buenos films sea extensible a los vinilos.

“Lady in waiting” es el segundo trabajo de unos músicos excelentes, tanto en lo vocal como en lo instrumental. De la misma fértil tierra que vio crecer a Allman Brothers y Lynyrd Skynyrd, su propuesta musical siempre ha estado más cerca de Ronnie Van Zant y del country rock de los californianos Eagles. Aúnan la fuerza de las guitarras de unos y las armonías vocales de los otros.

Grupo forjado en la carretera, donde explaya todas sus virtudes musicales abriendo para grandes de la época (otra vez Allman Brothers),no pierden el tiempo en el estudio, y si su debut del año 1975 ya era muy digno, y brillante por momentos, (“Green Grass & High Tides” es su particular “Free Bird”) el segundo álbum, en el que repite como productor Paul A. Rotchild, los lanza a una escala superior, conformando nueve canciones que no tienen nada que envidiar a los grandes trabajos de rock sureño de la misma época.

 

Outlaws tiene hasta tres voces perfectas, tanto solistas como de acompañamiento, además dos de ellos (Hughie Tomasson y Billy Jones) comparten virtuosismo a las seis cuerdas dejando su impronta tanto en canciones en las que doblan las guitarras, como en otras en las cuales uno  otro realizan duelos a cada cual más espectacular, dejando la guitarra acústica y tercera voz para el guaperas de la banda Henry Paul.

Las tres primeras canciones están a medio camino entre el rock sureño y el country rock enfatizando esto último en “Aint so bad”, estupendo medio tiempo en el que destacan las guitarras dobladas de nuestros amigos y por supuestísimo las armonías vocales. Dentro del rock sureño más emparentado con el rock duro está “Free born man” y “Lover boy”. La primera rápida pero con un interludio al más puro estilo Alman Bros/ Marshall Tucker Band, con una pequeña jam de guitarras increscendo que termina con la misma fuerza que en su arranque. La segunda de comienzo lacónico se convierte en una salvaje carrera de puro rock ´n roll del sur solamente endulzado por las voces
del combo.

Girl from Ohio” es una balada sensacional y “Just for you” pese a que es puro almibar se sale igualmente.

Outlaws vuelven a la senda marcada por Gregg y Duanne Alman con “Prisioner”, un tema fino de mixturas blues y cierran el disco demanera similar a su debut. “Stick around for rock ´n roll” sin llegar a la grandeza de “Green Grass and Hide Tides” si tiene una estructura similar. Es un tema épico, largo en el que las guitarras tienen mucho que decir, aunque  finalmente no se alarga tanto como el tema del debut ni tiene ese explosivo final. De todas formas se trata del epílogo perfecto para un disco que treinta y cuatro años después de su publicación se sigue manteniendo joven e impoluto.


Caído en Little Big Horn
(José A. Gutierrez)

Starz: "Violation" (1977)

 

STARZ- VIOLATION

AÑO: 1977

ESTILO: HARD ROCK/GLAM ROCK


Starz fueron una de las muchas formaciones que a mediados de los setenta se vieron empujadas por la estampida producida por la aparición de los neoyorquinos Kiss.

Al quinteto de New Jersey, liderados por el carismático, y semi clon de Steven Tyler, Michael Lee Smith y las guitarras de Richie Ranno, tampoco les fue demasiado mal.

Su primer plástico, había atraído a los cazatalentos de las compañias discográficas como la miel a las abejas. Todos los sellos sin excepción, bramaban por tener a sus Kiss o Aerosmith y que no se convirtiesen luego, en unos New York Dolls descerebrados que quemasen todo el dinero adelantado antes de exprimirles debidamente.

Starz aportarían bastante más que las indomables huestes de Johnny Thunders, una banda con más fama que canciones. La rapidez con que se sucedian los acontecimientos para los grupos de Rock a mediados de los setenta, puso a Starz en la carretera abriendo para artistas de distinto pelaje como Bob Seger, Aerosmith o el "Motor City Madman" Ted Nugent.

A la par, tenían que currarse las nuevas canciones durante los huecos que les quedasen junto al experimentado Jack Doglas. El negocio no podía detenerse, "Of Course"!
En estas, Starz publican su segundo disco, "Violation", publicado en el 77 y que obtuvo réditos más que interesantes. El disco escaló hasta el puesto 89 de las listas y vio como los singles "Cherry Baby" y "Sing It, Shout It" alcanzaban el 36 y 66 respectivamente. Algo que no estaba nada mal para una banda relativamente novel y que pese a su calidad carecia de la pegada pirotécnica de Kiss o el talento innato de los "Toxic Twins".

Hay que resaltar los dos buenos singles. "Cherry Baby", es un pegajoso hit electro-acústico con mucho gancho pop en su estribillo, puedes situarlo entre Kiss y los apabullantes Boston que estaban de moda en ese momento. En cambio, "Sing It, Shout It" se inmiscuye en territorio Funk-Rock merced a la marcada linea de bajo que utiliza Peter Sweval sin perder la fuerza bruta rockera que exhibe orgullosa en el pre-chorus y coro.

Ramo y Brenden Harkin rascan con fuerza las cuerdas de sus guitarras esculpiendo macizos muros de Rock And Roll para las más que adictivas "Rock Six Times" y "Violation", ésta última con un toque a lo más destructivo del "Beso Metálico".

Otros temas que catapultan el sonido cromático y atractivamente Glam-Rockero de los Starz son "Subway Terror" y "All Night Long", cuyo título lo dice todo; recordándonos a los Stones más descerebrados en la cachonda "Cool One". Incluso la balada de mixturas orquestales "S.T.E.A.D.Y." pasa con buena nota.

Starz son capaces finalmente, de meter sus narices en el Blues Rock de "Is That A Street Light Or The Moon?" y hacerlo pedazos en forma de Rock And Roll chuleta y descarnado. El justo final para un disco, que te obliga a una vez más cada vez que se termina.


Caído en Little Big Horn
(José A. Gutierrez)

 

Queen: "Queen II" (1974)

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Podría hablar de cualquiera de las obras que parieron John Deacon y sus amigos en los '70 ya que todas ellas son obras maestras pero me decanto por su segundo disco. Siempre he tenido un cariño enorme hacía este disco, fue como una especie de revelación para un servidor pero es que además pienso que el mejor de Queen y, porque no, uno de los diez mejores discos de la historia. Curiosamente debe de ser el único que no tiene canciones conocidas para el público no iniciado en el legado del grupo, quizás tan sólo "Seven Seas Of Rhye" haya traspasado en parte las fronteras del desconocimiento que lo envuelve lo que sin duda le da un mayor atractivo. "Queen II" es un trabajo poco comercial en el que coquetearon con mucho acierto con el rock progresivo. No, no penseis que intentaban seguir la estela de Genesis y demás dinosaurios del género. El ingrediente hard rockero y algunos devaneos pop estaban presentes, pero la división de sus caras en blanca y negra prácticamente funcionaban como unas suites, con una Reina Blanca y otra Negra reinando en cada una de ellas. Además la blanca estaba compuesta por May con un tema de Taylor y la negra integramente por Mercury. La inicial "Procession" es todo un alarde de May con su Red Special, una instrumental en la que no parecen que suenen guitarras eléctricas pero lo son, y tanto que lo son. "Father To Son" es uno de esos temas completamente olvidados de Queen que son verdaderas joyas, una canción hard rock que dejes prog rock con unas armonias vocales excelsas, guitarras que suenan como sintetizadores y sólos de guitarra de un joven May en estado artístico excelente. La preciosa "White Queen (As It Began)" tampoco es manca que digamos. De inicio sosegado poco a poco va cogiendo cuerpo entre su extraña estructura compositiva. "Some Day One Day" la canta May, un corte en clave acústico con un estribillo muy efectivo. Y para cerrar la cara blanca "The Loser In The End", el tema que compuso y cantó Taylor, una bocanada hard rock muy en la onda de lo que hacía el batería en aquellos días y que siendo el punto menos brillante del álbum es quizás uno de los tres mejores composiciones de su autor en la carrera del grupo. Y si tras la escucha de las cinco anteriores uno no puede dejar de babear con las seis siguientes ya es un no parar. Hasta este punto no he mencionado a Mercury. No porque su aporte hasta ese momento no fuera sobresaliente, todo lo contrario, pero es que lo que hizo para la cara negra es directamente de otro mundo. Cierto es que él fue el compositor de "Bohemian Rhapsody", "We Are The Champions" y tantos otros himnos inmortales pero la brillantez, la frescura de ideas y los registros vocales imposibles que plasmó en "Queen II" fueron insuperables incluso para él mismo. "Ogre Battle" es una obra maestra comprimida en 4:08 minutos. Un tema de puro hard rock en el que el bueno de Freddie demuestra que sabía rockear duro cuando le venía en gana y desmonta la absurda teoría de que los verdaderamente rockeros de la banda fueron Taylor y May. En "The Fairy Feller's Master-Stroke" Freddie, otra vez Freddie, da una clase magistral de canto, falsetes imposibles dentro de un tema de tono grandilocuente, un terreno donde se desenvolvía con verdadera maestría. "Nevermore" queridos amigos es la mejor balada de Queen. Poco importa su escasa duración, poco importa que sea una perfecta desconocida y poco importa que jamás la interpretaran en directo pero la suma del piano y la voz de Mr. Bad Guy con esos coros tan sublimes dan como resultado la belleza perfecta, sin fisuras, aplastante, así de simple. "The March Of The Black Queen" es dentro del tono general sinfónico de todo el álbum la que más se acerca al genero. Parece unas cuantas canciones en una, cambios de ritmo, de estilo, con unos coros tan característicos de la casa que funcionan como nunca, una genialidad sólo al alcance del genio que la compuso. "Funny How Love Is" es el tema más pop, un canto al amor convertido en un himno imposible. Y para el final "Seven Seas Of Rhye", una versión extendida y cantada que ya incluyeron en su debut, que decir de ella, sigue sonando a gloria a pesar de tener 36 añitos y es extraño que no haya tenido un peso mayor en la historia del grupo.

Con este disco tengo que andar con ojo. Lo intento evitar todo lo que puedo porque cuando lo oigo no puedo parar, me supera y soy capaz de oirlo semanas enteras sin parar y siempre que lo hago descubro matices que había pasado por alto. Es lo que tienen las obras maestras que nunca te dejan de sorprender ni aunque lleves más de 20 años oyéndolas.

 

Dani "Znuff" Luque

BLACK SABBATH: Sabbath Blody Sabbath (1973)

Black Sabbath ha tenido tanta influencia en el desarrollo de la música heavy metal como para ser una fuerza definitoria del género. El grupo tomó el sonido blues rock de bandas de finales de los años como Cream, Blee Cheer y Vailla Fudge llevándolo a su conclusión lógica, ralentizando el tempo, acentuando el bajo y poniendo especial énfasis en desgarradores solo de guitarra y voces aulladoras llenas de letras que expresan angustias mentales y fantasías macabras. Mientras que sus predecesores claramente provenían de una tradición de blues eléctrico, Black Sabbath encaminó esa tradición en una nueva dirección, y al hacerlo ayudaba a dar a luz a un estilo musical que continuó atrayendo a millones de seguidores en las décadas siguientes.(William Ruhlmann)





SABBATH BLODDY SABBATH es el quinto disco de la banda originaria de Birmingham y el primero unánimente alabando por la crítica generalista en todo el mundo. Sus cuatro anteriores discos fueron un gran éxito de público y de crítica especializada pero no es hasta este SABBATH BLOODY SABBATH cuando la banda es finalmente reconocida como una de las mejores bandas de la historia del rock, pionera y máxima representante del heavy metal pero sobretoto una banda llena de creatividad, de profundidad, de ideas y de matices que la convierten en patrimonio universal del rock, más allá de cualquier encasillamiento en forma de género musical. Black Sabbath en este disco, juguetearan de con la psicodelia, el jazz, la música folk o hasta el rock progresivo (cosa que de algún modo siempre habían hecho) pero lo harán, como siempre, de una forma tan sutil e integrada que todos y cada uno de los surcos sonarán a Sabbath por los cuatro costados, lo cual quiere decir enfermizo, obsesivo, experimental, duro, pesado, siniestro, a ratos esquizoide, pero también melódico por los cuatro costados y sobretodo maravilloso. Dejarse llevar por las texturas, los recodos, los matices de los discos de Black Sabbath con Ozzy Osbourne como vocalista es una experiencia altamente gratificante y siempre recomendable.

Este disco supuso un pequeño parón después de la gira de Vol IV que llevó a la banda por medio mundo, pero las ideas no les venían fácilemente la cabeza a nuestros astros británicos Probaron el grabar de nuevo (como en Vol IV, sonido del que los Sabbath estaban orgullosos mientras algunos críticos, en aquel momento, habían echado pestes) en los estudios Record Plant de L.A. pero una vez allí vieron que el estudio se había convertido en algo que no reconocían, lleno de sintetizadores y tecnologías que ellos no dominaban a lo que había que añadir, sobretodo, el abuso de todo tipo de substanacias psicotrópicas que impedian a los miembros de la banda cualquier intento de concentración. Según parece se pasaban días enteros en una casa que habían alquilado en Bel Air o en el estudio, de brazos cruzados esperando a la "musa de la inspiración" para componer algo, hasta que a Iommy se le ocurrió volver a U.K. y alquilar el castillo Clearwell en el bosque de Dean en Gales. Allá es donde las mentes enfermas de estos 4 hippies del lado oscuro empezaron a desarrollar lo que sería este mítico disco.

Para su grabación, contaron con la ayuda de Rick Wakeman de Yes que participa con sus teclados en el tema Sabbra Cadabra, aunque obviamente ese no será el úncio tema donde se utilizarán teclados, en otros temas, junto con algún instrumento de viento como flautas, estos serán tocados por Tony Iommi y será probablemente el disco más accesible de Sabbath hasta la fecha, que un par de años más tarde nos regalarán otra joya, SABOTAGE, disco que vuelve a sus orígenes aún más pesados y contundentes que este Sabbath Bloody Sabbath, finalmente grabado en los Morgan estudios de Londres por Mike Butcher.

Y ahora sólo un consejo, si queréis escuchar una gran banda de heavy metal escuchad los discos de esta banda con cualquiera de sus vocalista al frente pero si queréis escuchar a BLACK SABBATH sólo con Ozzy a la voz podréis captar lo que esta banda significó para la música popular de la segunda mitad del siglo XX.

Sobre la portada y los textos, poco hay que comentar, la parte más oscura del ser humano, la obsesión con la muerte, el suicido, el más allá, la guerra, la destrucción, pero por encima de todo el AMOR, esa es la visión de la vida de astros cuatro genios de la música que siendo una especie de hippies desheredados de un suburbio de Birmingham alejados del "flower power"tuvieron una sensibilidad especial para la música y nos la regalaron a todos nosotros para nuestra mayor felicidad.

LOS TEMAS DEL DISCO:

  1. Sabbath Bloody Sabbath - 5:46
  2. A National Acrobat - 6:17
  3. Fluff - 4:12
  4. Sabbra Cadabbra - 5:58
  5. Killing Yourself To Live- 5:41
  6. Who Are You? - 4:15
  7. Lookin For Today- 5:00
  8. Spiral Architect- 5:30

LA BANDA:
Ozzy Osbourne
Tony Iommi
Bill Ward
Geezer Butler

 

 

Zep

(Òscar Herrera)

 

TRIUMPH: Rock'n'roll Machine (1977)

 
TRIUMPH- ROCK & ROLL MACHINE- 1977

RICK EMMET: GUITARRAS & VOZ
GIL MOORE: BATERÍA, PERCUSIÓN & VOZ
MIKE LEVINE: BAJO & TECLADOS

PRODUCEN: MIKE LEVINE & DOUG HILL
 

 No hace demasiado entraron a formar parte del "Canadian Music Industry Hall Of Fame", un honor para éste trio canadiense, de Ontario concretamente que vivieron su época de máximo apogeo en los años ochenta gracias a discos como "Thunder Seven" o al evento definitivo del Metal americano ochentero:" El USA Festival" de 1983.
Pero antes de eso Triumph ya habían grabado un buen puñado de rocosos trabajos que defendian a capa y espada en sudorosas actuaciones por el suelo americano. No sólo llamaban la atención por su intensidad como músicos encima del escenario, también ayudaban los excesos que cometían con la pirotécnia en beneficio del espectáculo.

Mientras que en su disco debut del año 76, Triumph mostraban sin complejos sus influencias heredadas de la música de Led Zeppelin o del los primeros Rush, en "Rock & Roll Machine" de 1977 incluian pequeñas pinceladas de Rock progresivo dentro de un repertorio de puro Rock duro.

El pentágono que conforman las dos partes de "New York City Streets" y las tres que corresponden a la mini-suite "The City" están salpicadas de ellos. Solos de guitarra Jazzy's se mezclan como si tal cosa con riffs potentes dignos del legado de UFO.


Rick Emmet se desenvuelve con maestria con cualquier clase de guitarra que caiga en sus manos, da igual que se trate de eléctricas, acústicas que españolas. Junto a Gil Moore y Mike Levine conforman a la perfección la denominación de origen "Power Trio", la que triunfa totalmente en la cara más agresiva de Triumph. Es la que abre el álbum con "Takes Time", un poderoso "Arena Rock" cantado por el batería Gil Moore o "Rocky Mountain Way", un sudoroso y marchoso Hard Rock-Blues repleto de Boogie con más feeling que muchas de las canciones que grabarian en la siguiente década.

En 1977 la voz de Gil Moore le gana la partida a la aguda voz de Emmet más ocupado en sacar petroleo de sus riffs de guitarra, pletóricos en la final "Rock & Roll Machine"; un poderosísimo epílogo más cercano a los Judas Priest del "Stained Class" que a la música de sus compatriotas Rush que acababan de asombrar al mundo con el bestial "2112". Que gran forma de cerrar un disco Triumph, con unos solos de guitarra y
una conjunción como trio realmente brutal y para nada artificial.

Caido en Little Big Horn (José A. Gutierrez)

VAN HALEN: Van Halen (1977)



El álbum de debut de Van Halen, que a día de hoy ha vendido más de 10 millones de discos y es uno de los 20 más vendidos en los setenta, es un disco que cuando salió, pese al impacto que suposo el virtuosismo de Eddie y la extravagancia circense y macarrónica a partes igual de Diamond Dave, no tuvo, hasta tiempo después, el éxito que se merecía, al menos a nivel temas bien posicionados en las charts. No fue un disco de grandes hits que llegaran arriba en las lista de éxitos pero si acabó siendo un gran best seller del rock y hoy en día es un hito de la historia del hard rock y el inicio de, quizás, la mejor banda o la más grande dentro del (hard) rock americano contemporaneo.

Ted Templeman, su productor (The Doobie Brothers, Montrose, Van Morrison. Little Feat...) introdujo en el disco elementos también muy innovadores para la época, como diversos efectos, ecos, etc.. que convierten al disco en toda una modernidad dentro del panoramo hard rockero del momento, un disco contundente y hard rockero pero accesible, contemporaneo, vital y comercial. Probablemente hay un antes y un después para el hard rock americano, la aparción en escena de esta banda fue toda una renovación para el género.

Los temas:

  1. Runnin With the Devil (3:36)
  2. Eruptipon (1:42)
  3. You Really Got Me (Ray Davies) (2:37)
  4. Ain't Talkin' 'Bout Love (3:49)
  5. I'm the One (3:46)
  6. Jamie's Cryin' (3:30)
  7. Atomic Punk (3:01)
  8. Feel Your Love Tonight (3:42)
  9. Little Dreamer (3:22)
  10. Ice Cream Man (John Brim) (3:19)
  11. On Fire (3:00)
La Banda:

  • Michael Anthony, bajo y coros
  • Alex Van Halen, batería y percusiones,
  • Edward Van Halen, guitarra y coros
  • David Lee Roth, voz solista
Zep
(Òscar Herrera)

JOURNEY: Infinity (1978)



Después de tres buenos discos de rock con aires progresivos y jazzísticos: Journey, Look into the Future y Next que no tuvieron a penas éxito comercial (no olvidedmos que dos de los principales fundadores de la banda, Neal Schon and Gregg Rolie provienen de la banda de Santana, quién los descubrió siendo casi niños) su compañía de discos, Columbia, les recomienda, por no decir les obliga, a pensar en ir variando su sonido para hacerlo más accesible y comercial. Esto conllevará ya algunos cambios en la banda, como el fichaje y despedida del vocalista Robert Fleischman, que no llegará a grabar ningún álbum con Journey aunque con él compondrán Will in the Sky (que aparece en este magnífico Infinity), empezarán las quejas del incansable batería Ansely Dunbar a quién no le interesa el nuevo proyecto (de hecho, es despedido en 1978, después de la edición del disco y substituido por Steve Smith), y la aparición del gran Steve Perry que susbstituirá al fugaz Flesischman como vocalista solista, auque compartirá esas funciones con Gregg Rolie, quien poco a poco irá delegando en favor del maravilloso Steve Perry, quien en Infinity da tal lección vocal que lo convertirá a partir de ese momento (y que me perdonen sus futuros sucesores en décadas posteriores) en LA VOZ insustituible de esta imprescindile banda americana de rock melódico. Nadie como él, y ningún disco como Infinity o los tres próximos: Evolution (79), Departure (80) y el disco en directo Captured (81) donde la banda demuestra que pese a su giro comercial (luego vendrían otros aún más marcados, a menudo sin que su calidad se vea excesivamente mermada) son capaces de combinar esa comercialidad y ese sonido ya mucho más accesible, con la absoluta genialidad, como sólo son capaces de hacer unos verdaderos monstruos del rock.

Sobre el disco sólo decir que quien no sea capaz de difrutar de las melodías de este obra, de la calidad vocal de Perry, de los teclados, las voces y los coros de Rolie y los riffs melódicos y (aún) bluseros, y a menudo hard rockeros de Schon, junto con una base rítmica mucho más que efectiva, no se ha ganado el reino de los cielos del rock. Empezad ya a disfrutar con esta joya, ese arpegio inicial y la voz de Perry declarándoles el amor a su ciudad, San Francisco (en el siguiente disco también lo harán con otra de las grandes ciudades de su natal California, la ciudad de Los Ángeles):

When lights do down in the city
And the sun shines on the bay
I want to be there in my City...

LOS MIEMBROS DE LA BANDA EN ESTE DISCO
Gregg Rolie: keyboards and vocals
Neal Schon: guitar, vocals
Ross Valory: bass, vocals
Aynsley Dunbar: drums and percusions
Steve Perry. lead vocals

LOS TEMAS:
Lights
Feeling that way
Anytime
LA DO DA
Patiently
Wheel in the Sky
Soethin' to Hide
Winds of March
Can Do
Opened the Door
 
Zep                                                                                                                 
(Òscar Herrera)

JUDAS PRIEST: Stained Class (1977) & Killing Machine (1978)

Com más a adelante ya menciono a los Judas de los inicios con ese sonido hard bluesero de discos como su debut Rockarolla, no quisiera dejar de lado dos obras maestras del heavy metal británcio de todas las épocas realizados por la banda en esa misma década. Judas Priest es una banda de la que muchos sólo conocen su época ochentera, o como mucho su obra maestra en vivo Unleashed in the East 1979 y a partir de ahí sus discos posteriores hasta la actualidad. Es cierto que ese disco en directo es una joya absoluta y uno de los mejores directos de heavy metal de los setenta y de la historia del género, y que ahí están prácticamente todos sus grandes éxitos hasta ese momento pero creo que vale la pena recordar esos dos discos en estudio previos a Unleashed y escuchar con detenimiento los orígenes de ese sonido tan nétamente heavy metal, para mi el orígen del sonido NWOBHM está ya totalmente desarrollado en esos dos discos. Es innegable que hay un antes y un después en el sonido de la banda en estos discos, y me aytrevería a decir que no sólo de la banda sino del rock duro en general, para mi, las también grandes obras que vendrían después, como British Steel, sólo son una pequeña evolución final, pero el sonido NWOBHM ya estaba fundado por la banda británica en esos dos discos de 1977 y 1978, mientras el efervescente punk "nacía" y "moría" en el Reino Unido por aquella misma época.

Antes de acabar la década, los Judas nos regalaron dos joyas del heavy metal: Stained Class (77) y Killing Machine (79) -Hell Bent For Leather en EEUU



STAINED CLASS (1977)

  1. Exciter (Halford, Tipton) - 5:34
  2. White Heat, Red Hot (Tipton) - 4:20
  3. Better By You, Better Than Me (Gary Wright) - 3:24
  4. Stained Class (Halford, Tipton) - 5:19
  5. Invader (Halford, Hill, Tipton) - 4:12
  6. Saints in Hell (Downing, Halford, Tipton) - 5:30
  7. Savage (Downing, Halford) - 3:27
  8. Beyond the Realms of Death (Binks, Halford) - 6:53
  9. Heroes End (Tipton) - 5:01


     KILLING MACHINE (1978)

  1. Delivering the Goods" – 4:16
  2. "Rock Forever" – 3:16
  3. "Evening Star" (Halford, Tipton) – 4:06
  4. "Hell Bent for Leather" (Tipton) – 2:41
  5. "Take on the World" (Halford, Tipton) – 3:00
  6. "Burnin' Up" (Downing, Tipton) – 4:07
  7. "The Green Manalishi (With the Two-Pronged Crown)" (Peter Green) – 3:23
  8. "Killing Machine" (Tipton) – 3:01
  9. "Running Wild" (Tipton) – 2:58
  10. "Before the Dawn" – 3:23
  11. "Evil Fantasies" – 4:15

 

Zep

(Òscar Herrera)

BUDGIE: Budgie (1971)

Cuando en 1971 el periquito galés más ruidoso del mundo empieza a sonar en los todadiscos británicos, sus vecinos del norte, Black Sabbath están a punto de editar su ya tercer disco, "Master of reality". Eso es debido a que la banda de Cardiff, pese a estar rockeando duro desde más de cuatro años antes (desde 1967) no tuvo ocasión de editar su disco de debut hasta ese 1971. De hecho, este power trío y la banda de Birmingham nacen con pocos meses de diferencia entre 1967 y 1968. Dos bandas con carreras casi paralelas pero con suertes distintas. Budgie consiguió editar 10 discos en el periodo que va de 1971 hasta 1982 mientras la banda de Iommy en 1982 había editado también 10 discos (incluídos los dos con Ronnie James Dio, una vez despedido el Madman Ozzy), pero con un número de ventas totalmente desorbitado en comparación de los galeses. Y pese a que la banda cosecha bastantes éxitos y cuenta con un buen puñado de seguidores a la vez que participa en eventos importantes como el Reading Festival, no es hasta que Metallica y otras bandas como Iron Maiden empiezan a reivindicar esta banda unos años después de su disolución (sobre el capítulo reuniones en la tercera edad hablaremos en otro momento) y a versionar sus temas ("Breadfan", etc.. ) que Budgie no es reconocido por todos los rockeros no sólo como una de las bandas pioneras del heavy metal británico sino también como una de las mejores y más interesantes. Como anécdotas cabe comentar que curisomente en 1982, la banda abrió para nada menos que Ozzy Osbourne en su gira de su debut "Blizzard Of Oz", y que Budgie esta considerada la primer banda en cruzar el telón de acero ya que habían realizado, también en 1982, varios conciertos en Polonia, donde contaban con buen número de seguidores. En cuanto al sondio de sus primeros álbumes y en espcial de este disco de debut pues lo mejor es escucharlos pero ya os avanzo que las diferencias que vais a encontar entre Budgie y Black Sabbath serán nímias, tanto en cuanto a sonido (pesado, contundente..) como por la grandísima calidad de sus cortes. Incluso su vocalsita solista puede recordaros al loco de Ozzy aunque por momentos también os recordará al gran Geddy Lee, y sólo muy puntualmente Budgie puede sonar algo más melódico (y menos enfermizo, en el mejor sentido lo de enfermizo que la banda de Ozzy) encontarndo en ciertos pasajes algo de influencia o de parecido con Cream, pero las similitudes entre Budgie y Black Sabbath van a ser tantas que os harán olvidar todo lo demás. Ahora sólo os queda disfrutar de otro de los grandísimios precursores del heavy metal británico. ¡¡Que así sea!!

Miembros de la banda
(en su álbum de debut)

 
Tony Bourge
Burke Shelley
Ray Phillips


 

Zep

(Òscar Herrera)

 

UFO: Phenomenon (1974)



Maravillosa joya del hard rock melódico y del rock en general de todos tiempos. Schenker tenía 18 años cuando se incorpora a UFO y la banda se pone con este disco (habiéndolo pillado de los Scorpions donde con la banda alemana y su hermanito sólo había grabado el primer y extraño -aunque a reivindicar- disco "Lonesome Crown" con 16 o 17 años), y dios, como suena este "Phenomenon". Sólo salir a la venta se convirtió en lo que es, un clásico indiscutible de la banda, y no sólo por temas legendarios para la historia del rock como es "Doctor, Doctor" o "Rock Bottom" sino porque cada uno de sus surcos irradia unas melodías y un sentimiento que son una delicia para los oídos más exigentes.

Aquí los temas:

 

Zep

(Òscar Herrera)

FACES: A Nod is a Good as a Wink.. to a Blind Horse (1971)

 

Tercer disco, y penúltimo de la banda, que realizaron 4 discos en 3 años (el primer disco, First Step, tendría aún el nombre Small Faces debido a un error de la discográfica). Desde luego una banda donde figuren Ron Wood y Rod Stewart una garantía de calidad, ambos venían de la no menos magnífica banda de Jef Beck, The Jeff Beck Group, con quién habían grabado dos maravillas llamadas Truth & Beck-ola y en The Faces compartían estrellato con Ronnie Lane al bajo, el magnífico teclista Ian MacCaghan y Kenney Jones a la batería.

El disco que nos ocupa, es sobretodo conocido por ser el disco del tema Stay With Me, pero es de principio a fin, un magnífico disco de rock clásico de una banda imprescindible para cualquier amante del rock'n'roll setentero, antecedente clarísimo de bandas como The Quireboys, The Black Crowes, Diamong Dogs o Stereophonics y banda de culto para varias generaciones de rockeros británicos y del resto del universo rockero. Por supuesto, si no conocéis, cuanto menos "Stay With Me" os aseguro que estáis cometiendo un gran crimen contra el rock'n'roll. Temazo de rock con feeling y cojones.


  1. "Miss Judy's Farm" (Stewart-Wood) - 3:42
  2. "You're So Rude" (Lane-McLagan) - 3:46
  3. "Love Lives Here" (Lane-Stewart-Wood) - 3:09
  4. "Last Orders Please" (Lane) - 2:38
  5. "Stay with me" (Stewart-Wood) - 4:42
  6. "Debris" (Lane) - 4:39
  7. "Menphis, Tennessee" (Chuck Berry) - 5:31
  8. "Too Bad" (Stewart-Wood) - 3:16
  9. "That's All You Need" (Stewart-Wood) - 5:05
Zep
(Òscar Herrera)

JUDAS PRIEST: Rocka Rolla (1974)



Creo que en un post de obras maestras del rock de los setenta, el debut de la banda británica debe estar presente por derecho propio y con letras mayúsculas. Con un estilo aún alejado del sonido que hoy conocemos como NWOBHM, etiqueta bajo la cual surgieron gran número de bandas a partir del fin del punk británico del 77 y con la cual se identificará a la banda desde entonces, "Rocka Rolla" es un discazo muy a tener en cuenta para todo amante del hard rock y del rock en general de la década mágica de los 70. Un disco de debut, hoy día quizás no muy valorado dentro su extensa carrera que a partir de los ochenta cosechará sus mayores éxitos y popularidad, cosa que a veces nos hará olvidar sus magnas obras iniciales.

Desde su magnífico inicio con "On for the road" hasta su último tema "Caviar and Meths" nos econtramos con un disco de rock duro y pesado pero todavía heredero directo del blues rock de las grandes bandas de finales de los 60. Ya atisbamos en él algo de lo que será ese sonido NWOBHM, las dos guitarras de Tipton/Downing empiezan ya a sonar afiladas en algunos pasajes del disco y el magnífico Rob Halford ya empieza a mostranos hasta donde puede llegar con sus flasetes agudos, pero el disco está mucho más cercano a la primera época de Sabbath (o incluso la de Zeppelin), pesada, con un tempo más bien lento que rápido, contundente, machacón, con mucho uso de la armónica y a ratos con visos cuasipsicodélicos. Estos primeros discos de la banda son discos de experimentación, de desarrollo y de asboluta creatividad. Tan imprescindible es este "Rocka Rolla", como el maravilloso y enorme "Sad Winds of Destininy" y el no menor "Sin After Sin". Fantástica trilogía de inicio para una banda demasido poco valorada o entendida en sus comienzos siendo para mi la mejor y más interesante de sus "épocas".

 

Zep

(Òscar Herrera)

JEFF BECK: Truth (1968)



Pese a estra grabado en 1968 permitidme que añada este disco que por sonido es ya, sin lugar a dudas, un disco setentero. Anterior al debut de Zeppelin, en este disco encontramos ya todo lo que la banda británcia nos va a ofrecer un año después (inlcuído alguno de los que serán sus miembros): algo así como el paso del blues-rock al hard rock. De hecho, en esos momentos, dicen las “malas lenguas”, se llegó a especular con la posibilidad de que Rod Stewart acabara siendo el cantante de los New Yardbirds (rebautizados rápidamente con el nombre de Led Zeppelin), pero ya sabemos que no fue así.

Sólo 2 discos, Truth (1968) & Beck-ola (1969) son los que realizó la Jeff Beck Group con Wood & Stewart (en algunas reediciones ambos álbumes se reeditaron juntos).

Centrándonos en este debut de la Jeff Beck Band, sólo con darle una ojeada a sus créditos y ya podemos vislumbrar que nos encontraremos. Blues rock y hard rock primegenio de la mayor calidad tocado por algunas de los mejores músicos de la década venidera de los 70. ¿Os suenan algunos de los acreditados?

Jeff Beck - Bass, Guitar, Arranger, Liner Notes
Rod Stewart - Vocals
Ron Wood - Bass, Guitar
Nicky Hopkins - Piano, Keyboards
Keith Moon - Drums
John Paul Jones - Organ, Organ (Hammond)
Aynsley Dunbar - Drums
Mickey Waller – Drums

Los temas, entre los cuales se encuentran varias adaptaciones de clásicos del rock’n’roll y un tema de la música tradicional como Greensleeves:
1.: Shapes Of Things
2.: Let Me Love You
3.: Morning Dew
4.: You Shook Me
5.: Ol' Man River
6.: Greensleeves
7.: Rock My Plimsoul
8.: Beck's Bolero
9.: Blues Deluxe
10.: I Ain't Superstitious

Cuando Roon Wood y Rod Stewart dejaron la banda en 1970 para unirse (o formar o re-formar) The Faces (hasta entonces Small faces), Jeff Beck se vio forzado a disolver la banda. Sin embargo, acompañado como siempre por maravillos y legendarios músicos este gran guitarrista continuó realizando grandes obras, pero eso ya es otra historia..

 

Zep

(Òscar Herrera)

THE ROLLING STONES: Get Yer Ya-Ya's Out (1970)

 

Aunque hay otros directos de la banda británica más conocidos y populares, este es, para mi, quizás el mejor. Y aunque hay otros tantos discos de la banda por recomendar, empezaré por este album en directo. Abriendo la década, y después de los graves acontencimientos de Altamont, la banda publica este disco grabado en vivo los días 27 & 28 de Noviembre de 1969 en el Madison Square Garden (excepto Love in Vain, parece ser que grabada el Baltimore el 26 nov), y aunque puede que cuente con ciertos retoques de estudio (como casi cualquier directo), estos son mínimos. Un gran directo para inciar una década que contará con grandes joyas grabadas en vivo por diferentes bandas de rock clásico, blues-rock y hard rock. En este caso, destacar el set list. Conteniendo estos temas y estando la banda en un gran momento de forma, el disco no podía defraudar, y no lo hizo. Fue rápidamente número uno de ventas en UK y nº 6 en EEUU.


Jumpin' Jack Flash
Carol
Stray Cat Blues
Love in Vain
Midnight Rambler
Sympathy for the Devil
Live with Me
Litlle Queenie
Honky Tonk Women
Street Fighting Man


Lo dicho, deja a tu yaya haciendo ganchillo y pon este gran disco de rock clásico setentero en tu CD
 
                                                                                                                   Zep 

FREE: Free At Last (1972)



Para mi el quinto album de estudio de Free es simplemente una de las maravillas de blues-rock y hard rock melódico de los primeros setenta. Si adoro el tandem Mogg/Shencker, con el tandem Rodgers/Kossoff la baba se cae por la comisura de los labios y me quedo paralizado mientras suenan temas como Cath a Train, Sail On, Travellin' Man, Little Bit of Love, etc, etc.. Cuanto sentimiento en la increíble y emotiva voz de Rodgers, y que manera de hacer llorar la guitarra que tenía el yonki de Kossoff, pura melodía y feeling en estado puro, acompañados a menudo en este disco por el teclado tocado por el propio Rodgers. Es cierto que la mayoría de gente prefiere a los Bad Co., una banda mucho más inmersa ya en el hard rock standard de mediados de los setenta que los Free, que no dejan de ser una banda mucho más bluesy y con temas habitualmente mucho más lentos. Pero yo me quedo con los Free, y en particular con este disco que es con el que los descubrí, en cinta en cassette por 4 duros y después de algunas escuchas pronto aprendí a valorarlo más y más. Como curiosidad, la banda ya estaba disuelta en 1971, antes de grabar este discazo, pero la depresión profunda en la que había caído Kossof y su sentimiento de culpa por haber destrozado la banda debido a su adicción a las drogas, hizo que la banda se lo replanteara sus diferencias, que eran grandes entre Rodgers y el bajista Fraser (también toxicómano por aquel entonces), pero se juntaron de nuevo, y creo que pocos discos de rock han mostrado a través de sus todos sus cortes un estado emocional tan triste y nostálgico como este maravilloso disco. Después del disco, Fraser, con 20 años abandona definitivamemte la banda. Sin él, Free ya sólo grabó un disco, Heartbreaker. Finalmente, como sabréis, Kossof muere de insuficiencia cardíaca a los 25 años debido al abuso de drogas mientras Rodgers triunfa con Bad Company. Fraser, formó sin mucho éxito Andy Fraser Band con quiénes grabó un par de discos, y realizó algunas colaboraciones y discos con otros artistas, más tarde fue diagnisticado de cáncer y durante el tratamiento contrajo el VIH y declaró su homosexualidad, en 1994 paticipó enla pantomima de Wodstock con Paul Rodgers y lo más reciente que ha realizado ha sido un tema para la campaña de Barack Obama ("Obama, yes we can"). El batería, Kirke, como también sabréis, se unió con Rodgers al proyecto Bad Company.

Descanse en paz Paul Kossof, que vivió una vida corta y trágica pero dejó todo su corazón en las melodías que nos ha regalado para la posteridad. Y mucha suerte a Fraser, un luchador como la copa de un pino.

Track List:

  1. "Catch A Train 3.32
  2. "Soldier Boy" 2.51
  3. "Magic Ship" 5.22
  4. "Sail On" 3.05
  5. "Travellin' Man" 3.23
  6. "Little Bit of Love" 2.34
  7. "Guardian of the Universe 5.32
  8. "Child" 5.18
  9. "Goodbye" 5.15

Line Up:

  • Paul Rodgers - vocals, piano
  • Paul Kossoff - guitar
  • Andy Fraser - bass
  • Simon Kirke- drums
Zep
(Òscar Herrera)

SANTANA: Abraxas (1970)

http://bluestormmusic.com/store/images/santana_abraxas.jpg
 

En un post de obras maestras de los setenta yo creo que no tendríamos que olvidarnos del genial guitarrista, compositor y descubridor de jovencísmos talentos (como es el caso de los posteriores fundadores de Journey, Gregg Rollie y Neal Shon -al que descubrió con 15 años) Carlos Santana. Santana, con su aparición en Woodstock, con su disco de debut ese mismo año (1969) y su continuación al año siguiente con este magnífico ABRAXAS (una de sus mejores obras) ya nos avisa que en una década tan prolífica y experimental como los setenta, la ya de por sí fina línea que separa el rock, el blues, el jazz y la música latina se va a quedar en nada en sus manos, donde esos estilos se fusionan de tal manera que para hablar del género musical propio de Santana sólo podemos hablar del "estilo Santana" porque lo que son los géneros musicales los toca todos y de forma más que brillante.

Los temas del disco:

ABRAXAS

1970

1.Singing Winds, Crying Beasts
2.Black Magic Woman / Gypsy Queen
3.Oye Como Va
4.Incident At Neshabur
5.Se A Cabo
6.Mother's Daughter
7.Samba Pa Ti
8.Hope You're Feeling Better
9.El Nicoya
10.Se A Cabo [bonus]
11.Toussaint L'Overture [bonus]
12.Black Magic Woman [bonus]


Músicos en este disco:
El grupo estaba formado por Carlos Santana (guitarra, voz), Gregg Rolie (teclados, voz), David Brown (bajo), Mike Shrieve (batería), Mike Carabello (congas), Jose "Chepito" Areas (timbales, conga)

 

Zep

(Òscar Herrera)

STATUS QUO: Om the Level (1975)



Hay quien suele decir que todos los discos de Status Quo son iguales. Efectivamente, todos tienen forma de circunferencia, como los de ACDC, los de The Ramones o los de ELP. Dicho lo cual, creo que si bien no se si es posible hablar de obras maestras en la discografía de los Quo, si se puede hablar de muy buenos discos, discos que destacan por encima de otros dentro de una discografía muy extensa y que tuvo sus mayores y mejores frutos en la que fue, también para ellos, su década prodigiosa: los 70.

Por tanto, quiero vindicar este disco de 1975, uno de sus discos que, dentro de su habitual estilo rock'n'roll y boogie rock, está muy cercano al sonido hard rockero. Un disco contundente y que puede ser sorprendente para algunos. Muy recomendable!

TRACK LIST


Little Lady

Most Of The Time

I Saw The Light

Over And Done

Nightride

Down Down

Broken Man

What To Do

Where I Am

Bye Bye Johnny

 

Zep

(Òscar Herrera)

THE POLICE: Outlandos d'Amour (1978)



Bueno, en esta mezcla de joyas ocultas y discos imprescindibles de los 70, me atrevo a poner un absoluto imprescindible, que seguro todo el mundo conoce de sobras, pero permidme que aproveche este post para hacer un justo y merecido homenaje a esta banda, a veces injustamente poco valorada por algunos de los más "rockeros" (que quizás no han escuchado el disco). The Police fueron una extraordinaria banda, fuera de toda posible etiqueta, que fusionaron los ritmos reggae/ska con el rock, pero también con el pop, el punk y el jazz. Un magnífico power trío que contaba con Sting al bajo y la voz (en un pletórico estado de forma), Andy Summers a la guitarra, y probablemente el mejor batería/percusionista de la historia de la música popular, Mr Stewart Copeland (un monstruo absoluto de la batería). Para mí uno de los mejores debuts de la historia del rock (rock en el sentido más amplio) de todos los tiempos. Y es que sólo hace falta ver los temas del disco, temas, además, que todos conocemos. A mi, varios de estos temas aún me ponen la piel de gallina (Roxanne, lo conseguirá siempre):

- Next to You
- So Lonely
- Roxanne
- Hole In My Life
- Peanuts
- Can't Stand Losing You
- Truth Hits Everybody
- Born In The 50's
- Be My Girl - Sally
- Mosoko Tanga

 

Zep

(Òscar Herrera)

TOMMY BOLIN: Teaser (1975)



 "Come Taste the Band" de Deep Purple, anteriormente Zephyr, y el debut de la bada de hard rock Moxy fueron bandas donde también guitarreó este personaje del rock, pero recomendemos un disco "en solitario" de Tommy Bolin. Bolin, otro guitarrista tan ecléctico como Jeff Beck, capaz de tocar hard rock, blues, jazz, etc, etc.. A mi me mola más el Bolin hard rockero, igual que el Beck hard rockero, así que recomendaré su álbum de 1975, Teaser, que igualmente es una mezcla de estilos, tal como le gustaba al maestro. Descanse en paz Tommy, que sólo pudo vivir 25 años!

TOMMY BOLIN: TEASER (1975)
TRACK LIST:

1. The Grind (Bolin/Sheldon/Tesar/Cook)

2. Homeward Strut (Bolin)

3. Dreamer (Cook)

4. Savannah Woman (Bolin/Cook)

5. Teaser (Bolin/Cook)

6. People, People (Bolin)

7. Marching Powder (Bolin)

8. Wild Dogs (Tesar/Bolin)

9. Lotus (Tesar/Bolin)


Y algunos aoreros también fliparéis con alguno de los acreditados en el disco:

THE BAND:

Tommy Bolin: guitar, vocals (all)
Stanley Sheldon: bass (1, 2, 3, 5, 6, 7)
Paul Stallworth: bass (4, 8, 9)
Dave Foster: piano/synth (1, 2, 3)
Jan Hammer: synth (6, 7), drums (6)
Ron Fransen: piano (9)
Dave Sanborn: sax (6, 7)
Jeff Porcaro: drums (1, 2, 3, 5)
Prairie Prince: drums (4, 8 )
Michael Walden: drums (7)
Bobbie Berge: drums (9)
Phil Collins: percussion (4)
Sammy Figueroa: percussion (6, 7)
Rafael Cruz: percussion (6, 7)
Dave Brown: background vocals (1)
Lee Kiefer: background vocals (1)

 

Zep

(Òscar Herrera)

MIKE OLFIELD: Ommadawn (1975)



Con este compositor y hombre orquestra (el nombre y número de los instrumentos que toca en este disco, permitidme que los obvie), de nombre Mike y de apellido Oldfield, la verdad es que podía tener alguna duda entre ubicarlo aquí o en una sección específica de rock progresivo pero creo que pega más aquí, que es una sección cuyo nombre es "Grandes Obras de los 70" y creo que cumple ambos requisitos, es una gran obra setentera. Sobre si se trata de un disco progresivo o no, yo creo que este disco lo es a pesar de que Oldfield reniege a día de hoy de su época rockera, época, por cierto que más éxitos le brindó y que no se ha repetido con alguna dudosa obra más reciente. Otro ejemplo de artista en plenitud creativa en los setenta y que en décadas posteriores, sobretodo en los últimos 20 años (que no son pocos) ha cosechado grandes mierdas, o dicho más finamente, ha tenido una carrera más "irregular". No es el caso de su tercer disco y obra maestra OMMADAWN, de 1975.

Zep

(Òscar Herrera)

THE ALLMAN BROTHERS BAND: Brothers and Sisters (1973)



Un post de obras maestras de los setenta que olvide a los Allman no es un buen post de obras maestras de los 70, por lo cual, ¿por qué no recordar a estos blueseros y southern rockeros con una de sus mejores obras en estudio, "Brothers & Sisters" de 1973?. Se trata del primer disco de los Allman después de la trágica muerte de uno de los fundadores y líder de la banda, Duane (29 octubre de 1971), con quién habían grabado unos meses antes uno de los mejores directos de la década "The Allman Brother At Fillmore East" que por aquel entonces ya era disco de oro.

BROTHERS & SISTERS es simplemente un discazo de rock sureño y blues-rock que contiene temas míticos de la banda como Ain't Wastin' Time No More, Come And Go Blues (imposible no ver en temas como este la influencia que la banda ejercería muchos años después en bandas como The Black Crowes), la más bluesera Southbound, o una de sus mayores joyas instrumentales, un auténtica preciosidad de tema que simplemente nació para transmitir buen rollo, ese mismo rollo que se desprende de la contraportada del disco donde vemos a toda la extensa "família" Allman Brothers Band, aunque tristemente ya sin Duane.



¿Rednecks o Hippies? Sin duda lo segundo y no sólo eso sino una de las mejores bandas de blues rock y rock sureño de toda la Historia
TRACKS:

Ain't Wastin' Time No More
Ramblin' Man
Come and Go Blues
Jelly Jelly
Southbound
Jessica
Pony Boy


Los músicos del disco:

  • Greg Allman – lead and background vocals, organ, rhythm guitar
  • Richard Betts – lead vocals, lead and slide guitar, dobro
  • Bery Oackley – bass (first two tracks)
  • Lamar Williams – bass (remaining tracks)
  • Chuck Leavell- piano, electric piano, background vocals
  • Jaimoe – drums, congas
  • Butch Trucks – drums, percussion, tympani, congas

Additional musicians:

  • Les Dudey – lead guitar on "Ramblin' Man", acoustic guitar on "Jessica"
  • Tommy Dalton - acoustic guitar on "Pony Boy"
Zep
(Òscar Herrera)

FRANK MARINO & Mahogany Rush: LIVE (1978)

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En tan buen repaso a los setenta como este, creo que no estaría bien olvidarse de algunos otros maestros del rock y de la guitarra, y se me ocurren aun muchos: los irlandeses Rory Gallagher o Bernie Tormé, o el americano Bob Segger, o el canadiense Pat Travers o el también canadiense .... Frank Marino (de nombre real Francesco Antonio). Frank realizó la mayoría de sus discos con su banda Mahogany Rush (donde también estaba su hermano y bajista, de nombre Vince), aunque también realizó algún disco "en solitario". Participó junto a Aerosmith, Santana, Foreigner, Heart y Ted Nugent entre otros, en el polupar festival California Jam II (celebrado en 1978, después del exitazo de público, más de 300.000 asistentes en su primera versión de 1974).
Frank Marino ha continuado con su carrera durante todos estos años con obra muy interesantes, pero su época más gloriosa y con más reconocimiento popular, fueron, como no, los dorados años setenta.

De Frank Marino se podrían recomendar varios discos, y como buen quitarrista inquieto puede "tocar" varios estilos musicales, pero sobretodo dentro del rock, el hard rock, el blues, pero también, en algunos álbumes ciertos aires de rock progresivo y jazz rock.. Pero finalmente recomendaré de él el disco en vivo titulado simplemente LIVE donde se puede ver la gran fuerza de Marino y su banda.

FRANK MARINO & Mahogany Rush LIVE (1978)

Introduction
The Answer
Dragonfly
I'm a King Bee
Excerpt From Back Door Man
A New Rock & Roll
Johnny B. Good
Talkin' Bout A Feeling
Excerpt From Who Da You Love
Electric Reflections Of War
The World Anthem
Purple Haze

 

Zep

(Òscar Herrera)

 




Estamos delante de una banda británica, de nombre The Babys, que debuta el año de la explosión de punk rock en en Reino Unido (casi nada) con un disco de rock absolutamente melódico. Debut al que le sigue, ese mismo año, el que para mi es su mejor obra y el disco al que más cariño le tengo, ya que con él les descubrí hace casi 15 años. Un disco, "Broken heart", que me recuerda muchísimo a los también británicos Free (aunque tiene un aire más comercial y unos coros, a ratos, muy edulcorados y que pueden recordar, sólo en algún tema concreto, hasta a los Bee Gees, pero no sufráis pues no tienen absolutamente nada que ver). Para mi son los verdaderos sucesores de Free, más aún que los propios Bad Co. con quienes The Babys también guardan grandes similitudes, pero es que en The Babys, o al menos en este segundo disco, el blues y el rock suave están aun mucho más presentes que en los siempre magníficos Bad Company. Rock y blues-rock británico, clásico y de la máxima calidad. Para mi sólo un tema está de más, la balada empalagosa, Silver Dreams, por cierto, no cantada por Waite. Si no me equivoco, está cantada por el batería del grupo y eventual vocalista Tony Brock, que también solia, en directo, tocar el piano en este tema (que no contiene batería), Waite sólo interviene en algún pasaje. El resto del disco, auténticas joyas y genial John Waite con esa maravillosa voz a medio camino entre Rodgers y Mogg. Eso son voces.. sí señor

Broken Heart (1977)

Wrong Or Right
Give Me Your Love
Isn’t It Time
And If You Could See Me Fly
Golden Mile
Broken Heart
I’m Falling
Rescue Me
Silver Dreams
A Piece Of The Action

John Waite: Voz y bajo
Tony Brock: Batería, voces
Michael Corby:
Guitarra y teclados
Wally Stocker; Guitarra solista
 
                                                                                                                         Zep
 

TRIENIO 1968-1970. Un puñado de discos para el recuerdo


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Zep

ROD STEWART: Blondes have more fun... (1978)


Cambio de registro... o como un icono de los setenta sucumbe ante la tentación de la moda, la comercialidad y el éxito masivo

Y en cierta manera eso es lo que se puede decir de este disco de Rod Stewart y el giro que a partir de este dio a su carrera. Rod Stewart fue durante finales de los sesenta y primera mitad de los setenta un auténtico icono de la música rock en el Reino Unido (y The Faces una de las pocas bandas respetadas incluso por los punks británicos con el boom del movimiento punk en 1977) e incluso fuera de sus fronteras. Jeck Beck Group y The Faces acompañado por su carrera en solitario que compaginó con esta segunda banda, lo conviertieron en uno de los mejores cantantes de rock de su momento, voz carismática, presencia y personalidad eran sus grandes bazas. Y como suele pasar en estos casos, un gran ego y ganas de tirunfo, fue posiblemente lo que hizo que Stewart dejara que se disolvieran The Faces en 1975 cuando él ya contaba con una brillante carrera en solitario.

"Blondes have more fun.." apareció cuando Stewart contaba ya con 10 álbumes en solitario a sus espaldas (carrera inciada en 1969 The Rod Stwerat Album. And Old Raincoat..), entre los que se cuentan algunos de los mejores de su estilo en la década de los setenta, caracterizado por un rock'n'roll de corte clásico más alguna melodía lenta o balada dando el contrapunto romántico: Gasoline Alley, Every Picture Tells a Story, Never a Dull Moment, Smiler, Atlantic Crossing...

Pero con "Blondes have more fun" Stewart, viendo el auge de la música bailable, llamada en aquellos tiempos "disco", introducirá temas com el archiconocido tema de inicio Do you think I'm sexy que se convertirá en un rápido exitazo (por cierto, el único tema co-firmado por Appice, poco después Warner ganará un juicio contra un artista brasileño que reclamaba plagio, y Stewart para disipar sospechas o limpiar su imagen, cederá todos los derechos de este tema a la UNICEF). Valga decir que Stewart fue uno de los primeros rockeros en juguetear con este tiopo de temas pero sin duda no el único, sólo hay que ver el intento de Kiss un año más tarde en su disco "Dinasty" con temas como I Was Made For Loving You o Sure Know something, o sin ir más lejos, el homenaje realizado por The Black Crowes en su último "Before the frost.." con su primer single I Ain't Hiding

Obviamente ese giro de Stewart: que el disco se grabara en EEUU, la introducción de algunos temas bailables, el abuso de baladas, y en definitva esa búsqueda de la comercialidad y el éxito (cosa que Stewart consiguió.. de nuevo) hizo que muchos de sus antiguos seguidores dejaran de interesarse por un artista que desde entonces pocos discos memorables (aunque si grandes ventas) tiene en su haber.

Destacar que en este disco participa el inagotable y magnífico Carmine Appice (batería), junto con bajista Philip Chen (antiguo colaborador con The Who), Jim Cregan a la guitarra (mano derecha y co-compositor y posteriormente co-productor de Stewart), Gary Grainger, también acreditado como guitarrista (y que poco después trabajó en el álbum en solitario de Roger Daltrey de 1980, además de particpar en otros tantos proyectos con músicpos de renonmbre como Jim Capaldi y muchos otros) y Billy Peck, acreditado también como guitarrista.

Y respecto al disco, pues lo dicho, algún tema bailable, algunas (demasiadas) baladas pero también temazos a lo The Faces como Dirty Weekend o el tema que da título al disco, que sin embargo no serán la nota dominante de un disco más importante por el giro que supuso para Stewart que por su calidad musical, de hecho, como sucedería casi una década más tarde cuando algunas bandas de (hard) rock se pasaron -o lo intentaron- al AOR.


  1. "Da ya think I'm sexy" (Stewart, Carmine Appice) 5:31
  2. "Dirty Weekend" (Stewart, Gary Grainger) 2:36
  3. "Ain't love a bith" (Stewart, Gary Grainger) 4:39
  4. "The Best Days of My Life" (Stewart, Jim Cregan) 4:21
  5. "Is That The Thanks I Get?" (Stewart, Jim Cregan) 4:32
  6. "Attractive Female Wanted" (Stewart, Gary Grainger) 4:17
  7. "Blondes (Have More Fun)" (Stewart, Jim Cregan) 3:46
  8. "Last Summer" (Stewart, Jim Cregan) 4:05
  9. "Standing in the shadow of love" (Lamont Dozier, Eddie Holland, Brian Holland) 4:28
  10. "Scarred and Scared" (Stewart, Gary Grainger) 4:54
Zep
(Òscar Herrera)

TOAD: Toad (1971)

Y como no sólo en los 80/90/00 ha habido buenas bandas de hard rock en el país alpino, aquí el disco de debut de una banda Suiza muy poco conocida fuera de su territorio, con un discazo genial que no tiene absolutamente nada que envidiar a los discos de Sabbath / Zeppelin de la época. Es una auténtica obra maestra que os sorprenderá si podéis haceros con ella (me han dicho que si se lo pides a la mula, te lo baja). Su segundo álbum, "Tomorrow blue" (1972), igual de recomendable, esta vez ya como power-trio. Ese mismo año graban "Open Fire: Live in Basel 1972". En el 75 editan el disco "Dreams" y desaparecen


TOAD: TOAD (1971)


  1. "Cotton Wood Hill"
  2. "A Life That Aint Worth Living"
  3. "Tank"
  4. "They Say I'm Mad"
  5. "Life Goes On"
  6. "Pig's Walk"
  7. "The One I Mean"


  • Vic Vergeant - Guitar
  • Werner Frolich - Bass
  • Cosimo Lampis - Drums
  • Benjamin Jagger - Vocals
  • Produced by Chris Schwegler
  • Engineered by Martin Birch
Zep
(Òscar Herrera)

PRISM: See Forever Eyes (1978)

 

 
PRISM- SEE FOREVER EYES- 1978

Allen Harlow: Guitarras y Bajo
Ron Tabak: Voz
Lyndsay Mitchell: Guitarra Solista
Rocket Norton: Batería
John Hall: Teclados


Prism no son la quintaesencia del Rock de los años setenta pero si que grabaron en la última mitad de aquella década tres trabajos más que decentes. El segundo, "See Forever Eyes", de una calidad notable vista treinta y dos años después de su publicación. El paso del tiempo suele ser el principal lastre para algunos discos del pasado pero temas como "Hello" o "Flyn", no suenan "apolillados" en absoluto. Son temas que recuerdan a los Styx del "Grand Illusion", Rock pomposo de estribillos recargados de excelente factura.

La producción del desaparecido Bruce Fairbairn también juega un papel fundamental en la carrera del grupo de Vancouver, aunque el catalizador que moviliza a estos Prism es su guitarrista Lindsay Mitchell creador de temas rockeros de incisivos riffs que solapan la estupenda voz de Ron Tabak. "Nickles & Dimes", "Crime Wave" y "N-N-N-N-O!" pertenecen a las cara más Hard Rock de Prism.

En el reverso, la dulce y romántica "You're Like The Wind", la powerpop "Take Me Away" o la balada 100% reminiscente de la música de Styx "You're My Reason"; otro romántico canto no exento de sinfonísmo al que los teclados y unos solos de Mitchell puramente "Brian May" rematan. Aunque para remates las dos canciones que cierran "See Forever Eyes", la homónima, comercial y contagiosa; "Just Like Me" rockera y preciosista.

Caído en Little Big Horn

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